Gianluigi Bodi

Il tratto caratteristico della collana “42 Nodi” dell’editore Zona 42 è quello di metterti in mano libri dal breve formato e dalle piccole dimensioni che sembrano tanto innocui e che poi invece ti tirano una badilata sui denti.
Il “nodo” di cui vi parlo oggi lo ha scritto Luigi Musolino e vi dico subito che per leggerlo ho dovuto superare una mia antipatia, quella per i ragni. Ragni che invadono questo “nodo” più lungo del solito fin dal suo titolo “Della donna aracnide“.

Chi racconta la storia? Il narratore in prima persona presente in questa novella è Martina, una donna che possiamo definire distrutta nel fisico e nell’anima e che ha dentro di sé un terribile segreto. Una sera estiva del 1992 lei e il fratello Filippo hanno lasciato i genitori a casa, a litigare pesantemente come al solito, hanno indossato le scarpe nuove appena regalate dal padre che finalmente dopo anni ha ricevuto una promozione, e sono andati al Luna Park del paese. E’ arrivata la Fiera a Idrasca, un paese in cui non succedo nulla, ma oggi c’è la fiera, Filippo e Martina si vogliono divertire, vogliono lasciarsi alle spalle per una sera il clima nauseabondo che si respira a casa loro. Ma non sono solo le giostre ad attirarli, c’è anche un’attrazione particolare, un Freak Show, l’essere metà donna e metà ragno che si fa chiamare Serafina e che promette di essere l’ottava meraviglia del mondo e di poter esaudire i desideri. Inizialmente i due vengono attratti dal brivido, a chi non piace un bello spavento che abbia implicito in sé il sapere che ne usciremo indenni? Ma nessuno esce indenne dall’incontro con Serafina. I due entra dentro a la loro vita viene sconvolta da uno spettacolo orrendo e putrido, uno spettacolo che li dannerà per sempre.
Succedono cose terribili dentro e fuori dalla tana di Serafina e l’unico scopo nella vita di Martina diventerà quello di ritrovare Serafina e porre fine alla sua esistenza.

Il tono con cui Luigi Musolino ha deciso di raccontare questa storia è molto solenne, molto carico dal punto di vista emotivo, ma non poteva essere altrimenti vista la scelta del narratore in prima persona caricata sulle spalle di Martina. In certi momenti sembra di entrare nel regno della paura di Stephen King, ma come vedrete anche voi leggendo le citazioni, Musolino per prepararsi a questo testo si è documentato molto bene e ha sicuramente decine di altre influenze.
Non vi starò a dire cosa sono davvero le pagine che andrete a leggere perché quello lo scoprirete soltanto alla fine, quando ormai i giochi sono fatti e il destino a finito di tessere la propria tela.

Considerando anche la lunghezza anomala rispetto agli altri “nodi” di questo editore credo che “Della donna aracnide” sia il titolo che più di tutti mi ha coinvolto a livello emotivo. Ho dovuto, qua e là, sopprimere un certo disgusto dato, come detto, dalla mia antipatia personale nei confronti dei ragni, ma la storia in sé è scritta molto bene.
“Della donna aracnide” mi è parso uno di quei testi in cui il finale è inevitabile. Puoi parteggiare per Martina, puoi fare il tifo per la sua ricerca, ma sai perfettamente cosa significherebbe per lei se dovesse incontrare ancora nel suo cammino l’ottava meraviglia del mondo. La fine è scritta sin dall’inizio e francamente non so se leggerla come un lieto fine oppure no, ma questo credo dipenda dall’indole di ognuno di noi.

Luigi Musolino è nato nel 1982 in provincia di Torino, dove vive e lavora, Luigi Musolino è autore di diverse raccolte di racconti di weird fiction, horror e gotico rurale. 
Il suo romanzo Eredità di carne è stato pubblicato da Acheron Books nel 2019 mentre la raccolta Un buio diverso. Voci dai Necromilieus è uscita per Edizioni Hypnos. 
Le sue storie sono state tradotte e pubblicate negli Stati Uniti, in Irlanda, Ungheria, Russia, Spagna e Sudafrica. 
Nel 2022 Valancourt Books ha pubblicato una selezione delle sue storie nella raccolta A different darkness and other abominations, finalista al World Fantasy Awards.

È il curatore di Caronte, collana dedicata alla letteratura del perturbante di Zona 42 con cui nel 2021 ha pubblicato la novella Pupille.

Vorrei iniziare questa recensione manifestando una mia ignoranza. Prima di leggere “Sono senza casa, se questa non è la mia” avevo solo sentito nominare Lorrie Moore e sapevo solo che La Nave di Teseo stava pubblicando la sua opera. Qualche giorno fa mi è capitato sotto agli occhi un post che parlava di questa scrittrice e, immagino per puro caso, dopo qualche ora mi sono trovato nella casella di posta la newsletter dell’editore che annunciava la pubblicazione di questo volume. Ho dato un’occhiata alla descrizione del libro, banalmente ho letto la quarta di copertina e ho immaginato che la storia raccontata in questo romanzo potesse interessarmi e ho quindi deciso di leggerla.

Lorrie Moore è diventata improvvisamente una delle mie scrittrici preferite e ora andrò a ritroso perché voglio leggere tutto quanto è stato pubblicato di questa scrittrice americana, anche in considerazione del fatto che Lorrie Moore non si è cimentata solo con i romanzi ma ha pubblicato anche un buon numero di racconti.

Queste mie righe valgono come preambolo, in un certo senso vogliono ribadire un concetto che mi è molto caro: leggere significa scoprire. Scoprire nuove storie, scoprire nuove autrici e nuovi autori, scoprire nuove affinità e scoprire qualcosa di cui non sapevamo di avere bisogno.
Ora voglio parlare del libro.
“Sono senza casa, se questa non è la mia” racconta la storia di Finn, un professore di mezza età che al momento è in congedo temporaneo (lui dice che il congedo potrebbe derivare dall’aver rifiutato le avance della moglie del preside, ma il fratello pensa che forse il suo allontanamento momentaneo possa essere dovuto al fatto che Finn sta cercando di insegnare ai suoi ragazzi il pensiero critico, cosa vista sotto una cattiva luce). Qualsiasi sia il motivo al momento Finn ha del tempo libero, purtroppo per lui una parte di questo tempo lo deve passare al capezzale del fratello Max che oramai è allettato in un hospice e che ha pochissimi giorni di vita. Il rapporto tra i due fratelli vieni dipinto in maniera vivida, vengono mostrate piccole complicità e soprattutto ci viene mostrato come Finn, nell’atteggiamento e nelle parole scelte per comunicare con il fratello, cerchi di tenersi costantemente lontano a tutto ciò che possa ricordare la fine.
Come se non bastasse gli arriva una telefonata da casa che gli dice di tornare subito indietro. Lily, la donna che ha amato e che lo ha lasciato qualche mese prima per mettersi con Jack, all’ennesimo tentativo di suicidio ha finalmente raggiunto (c’è da dire con molta determinazione) il suo scopo. Quando finalmente riesce ad andare sulla tomba di Lily la trova lì, sotto forma di fantasma.
Quanto vi ho raccontato non si può considerare spoiler perché è già scritto nella quarta di copertina. Non è uno spoiler perché in questo romanzo, la trama ha un valore secondario, ciò che risplende di una luce assoluta sono i dialoghi tra Finn e il fratello Max e tra Finn e il fantasma di Lily, ma anche la caratterizzazione dei personaggi.
E sono proprio i dialoghi che mi hanno fatto apprezzare fin da subito la qualità di questa scrittrice. Gli scambi di battute tra i personaggi sono tutti sull’orlo dell’assurdo e come probabilmente avrete capito, di assurdo, in questo romanzo, ne troviamo molto; ma a di là di questo aspetto i dialoghi sono “freschi” e suonano, passatemi il termine, veri. Per farli suonare un questo modo non basta mettersi con il registratore, raccogliere scambi di battute di persone a caso e poi portarli sulla pagina, per farli suonare così veri il lavoro che va fatto sul testo è enorme e complicatissimo.

“Sono senza casa, se questa non è la mia” è ovviamente un testo incentrato sulla morte, su quella che deve avvenire e su quella che è già avvenuta, ma è un testo che affronta la morte scardinando i tabù a essa collegata. Non fa sconti, non si nasconde dietro a perifrasi trite e ritrite, Lorrie Moore mette in scena un percorso di accettazione della morte. La morte è mostrata in ogni dettaglio, la Moore non si ferma a raccontarla nel momento in cui avviene, ma ci porta anche oltre, ci mostra quello che succede al corpo di Lily anche dopo la sepoltura perché questo è il primo passo per accettare ciò che ci spaventa.
A un certo punto del testo Finn è alterato, se la prende con Lily perché lui vorrebbe sentirle dire qualcosa che lo metta al riparo dei sensi di colpa e lei, altrettanto alterata, gli risponde che la propria morte, il proprio suicidio non ha a che fare con nessuno se non con lei, che non tutto gira attorno a Finn. Forse qui può esserci un’esagerazione perché un suicidio porta con sé delle reazioni a catena, ma è anche vero che per arrivare all’accettazione forse bisogna smetterla di pensare che tutte le storie abbiano a che fare con noi. Non siamo sempre noi i protagonisti di una storia.
“Sono senza casa, se questa non è la mia” è un romanzo fantastico che ho apprezzato dalla prima pagina fino all’ultima. L’ho apprezzato anche per gli inserti che la scrittrice ha disseminato nel testo. Il libro infatti inizia con una lettera che una donna scrive alla sorella, ma questa lettera è totalmente staccata dalla storia di Finn almeno per le prima centocinquanta pagine. Alla fine, quando in qualche modo, le due storie convergono si riescono a rintracciare gli elementi comuni e si capisce che entrambe le storie raccontano la stessa storia di morte e accettazione della stessa.

Vorrei finire con il dire che i dialoghi tra Finn e il fratello Max orami morente mi hanno commosso come non mi capitava più da anni e la battuta “Sei ancora su Facebook?” che Finn, a pagina 100, rivolge al fantasmi di Lily mi ha fatto ridere come un cretino e mi ha fatto gridare al genio.
Non ho dubbi che la mia storia di lettore di Lorrie Moore sia appena cominciata, ce l’ho un po’ con voi che non mi avete mai detto quanto questa autrice sia meravigliosa.

Doverosa anche la menzione alle due traduttrici Maria Baiocchi e Anna Tagliavini.

Lorrie Moore è autrice di romanzi e racconti, tra cui Tutto da sola (1985, La nave di Teseo 2018), Amo la vita (1990), L’ospedale delle rane (1994, La nave di Teseo 2018), Ballando in America (1998), Oltre le scale (2009). Ha vinto l’Irish Times International Prize for Literature, l’O. Henry Award, il PEN/Malamud Award, e il Rea Award for the Short Story. È stata inclusa nella lista John Updike’s Best American Short Stories of the Century, e collabora con le fondazioni Guggenheim e Lannan. È stata ammessa all’American Academy of Arts and Letters. Nata a nord dello Stato di New York, vive con suo figlio a Madison, dove insegna all’Università del Wisconsin. La sua opera è in corso di pubblicazione in una nuova edizione presso La nave di Teseo.

Ricordo ancora con piacere il precendente romanzo di Vito Di Battista. Sono andato a controllare, era il settembre del 2018, il libro era uscito qualche mese prima, era l’esordio di Di Battista e se dopo tutti questi anni mi ricordo ancora di Molly Buck credo che questo fatto non possa essere che interpretato come un buon segno. E ancora, sempre riflettendo sul romanzo precedente, mi pare di poter trovare dei punti in comune che funzionano un po’ come indizi per cercare di capire la poetica di questo scrittore. Ad esempio mi sembra evidente che sia nell’esordio che in questa seconda prova, Di Battista faccia un buon uso della distanza.
“Il buon uso della distanza” è appunto il nuovo romanzo di Vito Di Battista uscito da poco per l’editore Gallucci. Racconta la storia di Pierre Renard, tanto simile al Menard di Borghesiana memoria che come scopo della vita voleva riscrivere il Chisciotte di Cervantes parola per parola, anche se ovviamente questa quasi omonimia non è totalmente casuale. Renard è uno scrittore che lavora per una casa editrice, ha pubblicato per loro un romanzo che ha avuto un tiepido successo. Non è stato ignorato, ma non ha nemmeno prodotto un volume di vendite sufficiente per garantirgli una carriera. Infatti la sua seconda opera viene bocciata. Poco dopo viene contattato da una donna misteriosa che si fa chiamare Madame. La donna lo coinvolge in un’impresa che ha dell’assurdo. Gli invierà periodicamente del materiale e lui dovrà scrivere dei romanzi che, cosa importantissima, non dovranno mai uscire a nome Renard. Inizia qui la discesa verso gli inferi di Pierre Renard che si trova a essere lacerato nel profondo. I rapporti con l’amico Philippe, collega nella stessa casa editrice in cui lavora Renard, si incrinano, soprattutto nel momento in cui entra in scena Claire, la ragazza di Philippe di cui Renard si invaghisce immediatamente e che alla lunga è l’unica cui Renard riuscirà a raccontare tutta la propria storia.

“Il buon uso della distanza” è un romanzo colmo di personaggi interessanti, tra tutti vorrei citare Colette, l’anziana Maitresse che fa da tramite tra Renard e Madame e che governa una casa chiusa nella quale si intrecciano i destini di più persone.
Ognuno di questi personaggi detiene un piccolo pezzo di verità ma solo Renard, alla fine, riuscirà a metterli assieme e rendersi conto di quale sia il vero piano di Madame e di quanto il proprio destino fosse segnato già dalla nascita.

Pierre Renard è condannato a una serie di esordi, molti dei quali di grande successo, ma pochi sapranno che dietro ai titoli più chiacchierati del momento si cela la sua penna e tra quei pochi saranno ancora meno quelli che lo supporteranno in questa follia. E’ come se Renard, libro dopo libro, si frammentasse e perdesse a piccoli pezzi tutto sé stesso. L’identità dell’uomo si sfilaccia a poco a poco, i ruoli che gli altri gli affibbiano lo appesantiscono e lo portano a un finale inevitabile.
Cosa desiderava davvero Pierre scrivendo a nome proprio? La fama? Il successo? Il riconoscimento di un traguardo importante?
Cosa ha ottenuto poi dai libri che ha scritto e ha fatto uscire sotto falsa identità?
Forse ha capito che nulla di ciò che stava facendo avrebbe cambiato un destino ormai segnato.

“Il buon uso della distanza” mi sembra un romanzo di altri tempi, con forti influenze ottocentesche. I personaggi sono personaggi e, anche se quà e là ho notato riflessioni sul mondo dell’editoria molto attuali che potremmo mettere in relazione con l’autore stesso, mi sento di dire che il libro si allontana pesantemente dall’autofiction e da quelle forme di promiscuità autore/personaggio cui cui si investe moltissimo al giorno d’oggi. Ognuno di loro ha una sottile vena di malinconia data dal peso della vita, ognuno di loro, Renard tra tutti, ha un linguaggio attraversato da una forte componente lirica, tutti assieme sembrano portare avanti una riflessione sul ricordo, l’identià e il destino.

Anche in questa seconda opera, soprattutto in questa seconda opera, Di Battista costruisce una storia ambientandola lontano da noi, in una Parigi inospitale, fredda e umida, in cui l’immagine è la padrona assoluta. Ma al di là di questo, non c’è nulla di quanto raccontato in questo romanzo che non possa essere messo in relazione con ciò che ci circonda ora. Pur utilizzando uno stile che strizza l’occhio ai fasti del romanzo Di Battista scrive un’opera contemporanea le cui riflessioni sono profondamente attuali.

Vito di Battista è nato nel 1986 in un paese d’Abruzzo a trecento gradini sul mare e vive a Bologna. Nel 2012 è stato selezionato per il Cantiere di Scritture Giovani del Festivaletteratura di Mantova. Agente letterario, editor e traduttore, ha scritto su “Futura”, la newsletter del “Corriere della Sera”, e su “Nuovi Argomenti”. Il suo primo romanzo, uscito nel 2018, è L’ultima diva dice addio.

Si può parlare di racconti senza che nessuno si spaventi? Senza che vengano percepiti come un genere minore? Senza che qualcuno dica “eh ma tanto non vendono come i romanzi!”. Sarà anche vero, non dico di no, i racconti vendono poco, vendono meno dei romanzi che già, di per sé, vendono poco. Eppure mi pare il caso di parlarne, soprattutto quando capita di trovare una raccolta di racconti che merita davvero di essere messa in mostra.

La raccolta di racconti in questione è quella di Riccardo Lestini e si intitola “Quegli stupidi eroi di provincia“. Riccardo è da poco diventato un compagno di editore visto che sia il mio romanzo che la sua raccolta sono appena usciti per l’editore Les Flaneurs. Per Riccardo però non è un esordio con l’editore barese, aveva già avuto modo di frequentarlo. Al Salone del libro di Torino ho avuto il piacere di conoscerlo e devo dire che come persona mi è piaciuta fin da subito. E la cosa mi ha terrorizzato. Non c’è nulla di peggio di incontrare uno che ti sta simpatico e poi rendersi conto che come scrittore non vale la carta su cui è stampato il libro. Meno male che non siamo in questo caso.

“Quegli stupidi eroi di provincia” è una raccolta che contiene otto racconti che ho letto già a partire dal viaggio verso casa dopo Torino e che mi sono piaciuti per motivi che ora cercherò di spiegare. Sia che si parli di “Reputazione” (uno dei racconti che ho preferito o de “Il campionato del mondo di calcio in stazione” (altro racconto notevole) e cioè, sia che Lestini usi un tono soffuso, molto malinconico o che usi una voce ironica, grottesca e assurda tutti i racconti di questo libro ti lasciano addosso qualcosa. “Reputazione” racconta la parabola di un giovane calciatore che a suon di goal diventa l’orgoglio del paese, mentre “Il campionato del mondo di calcio in stazione” mette in scena l’assurdo torneo di calcio giocato da otto squadre di ragazzini nel piazzale antistante la stazione. Tra carabine, canne, fumogeni e petardi ne succedono di tutti i colori.

Inizialmente ho pensato che i racconti di Lestini fossero molto legati alla letteratura anni ’90, la mia sensazione, leggendoli, era che l’autore avesse preso in prestito quel modo di raccontare la piccole imprese quotidiane, o quel modo di approfondire i miti dell’epoca, dal trattamento della realtà tipico di quella decade in cui tutto sembrava essere possibile e la sconfitta non era contemplata. Poi mi sono reso conto che la mia visione non era perfettamente centrata, che alla fine, ciò che fa ricordare a me gli anni ’90 è il fatto che in quel momento a essere giovane ero io, a provare l’eccitazione dell’impresa, la noia delle serate invernali, a vivere ogni attimo come se fosse il fondamentale mattone per costruire un’esistenza perfetta ero io. E’ questo che fa Lestini, ci fa tornare a un momento in cui tutto ci pareva possibile, ci mostra la nostra giovinezza. Forse è proprio per questo che mi è piaciuto tanto “Reputazione” perché mostra il possibile e poi ti spiattella davanti la realtà.

C’è però dell’altro. “Il campionato del mondo di calcio in stazione” a me è sembrato un omaggio a Stefano Benni. Il delirio che compare in questo racconto mi ha riportato ai tempi di Elianto e La compagnia dei Celestini, l’ho letto con il sorriso e io credo che sia davvero complicato far ridere con la scrittura, sono in pochi a riuscirci.

Senza star lì a menzionare tutti i racconti, vorrei però soffermarmi su “Pasta ai funghi (una storia realmente accaduta)” che come tono e come uso dell’assurdo si avvicina molto al Campionato del mondo e ci porta ancora una volta nel puro delirio e “Il tempo degli eroi” che, in una rivisitazione classica, racconta a posteriori, le infine possibilità sfumate.

Concludo dicendo che “Quegli stupidi eroi di provincia” è una raccolta in cui è presente molto calcio, Lestini è bravo a fare un po’ quello che fanno gli Americani quando parlano del Baseball, creano miti di provincia, li portano alle massime altezze e, talvolta, li fanno schiantare al suolo. Capita.

Ho ormai imparato a conoscere i graphic novel di And editore. Questo credo sia il quinto che leggo e ormai so con una buona precisione cosa trovarci dentro. Le opere che questo editore ha scelto, almeno fino ad ora, hanno un filo comune denominatore: la volontà di andare a scandagliare i rapporti tossici tra società e esseri umani. Alcune si concentrano sulla repressione, altre sul controllo alla base del sicurezza sociale, altre invece sul potere inteso come unica voce possibile.

Il graphic novel “Metax” prende il nome da una sostanza, un minerale, qualcosa di non completamente definito che si trova sotto la superficie terrestre. La città di Ronin, su questa scoperta, ho creato un destino di espansione e arricchimento. I sovrani di Ronin hanno costruito un muro gigantesco per tenere al sicuro la città e negli anni sono stati costretti a combattere guerre per difendere il Metax. Ora però questa sostanza è agli sgoccioli, l’ingegnere addetto alla ricerca di qualche nuovo filone è consapevole che non c’è più molto da fare, ma di questo fatto ne vengono a conoscenza anche alcuni cittadini. Questi organizzano un fronte di ribellione, sono intenzionati a distruggere gli ultimi rimasugli di Metax e far crollare dunque anche Ronin, il re e la sua repressione nei confronti dei cittadini e per farlo utilizzano certe pillole che permettono loro una trasformazione straordinaria. Inoltre, da un po’ di tempo a questa parte c’è un nuovo virus che circola. Gli occhi delle persone e degli animali si riempiono di stelle. Nessuno sa bene cosa significhi ma l’ipotesi plausibile è che queste stelle siano causate dalle polveri generate da tutte le esplosioni necessarie a scovare il Metax.

Mi pare di poter dire che ci sia un parallelo tra l’esaurirsi del Metax e il capitalismo. Infatti, quando il Metax è orami sul punto di terminare, i ribelli capiscono che il modo migliore per andare avanti non è quello di deturpare l’ambiente alla ricerca di nuovo Metax, ma di cercare una nuova via, una nuova modalità di affrontare la vita. Questo mi pare il messaggio più importante di questo graphic novel che possiamo considerare dispotico ma che comunque dà un quadro molto reale di quella che è la nostra vita di tutti i giorni e soprattutto del continuo sfruttamento delle materie prime e dei frutti della terra.

Lo stile di questo graphic novel è molto particolare, ma la cosa non mi stupisce perché questo è un tratto caratteristico di tutte le uscite di questo genere proposte da Add Editore. Le scelte fatte vanno quasi tutte, se non addirittura tutte, nella stessa direzione. I tratti dei disegni non sono mai confortanti o armonici, spesso sono sporchi, in “Metax” le forme vengono slavate da quello che sembra essere un uso molto preciso della tecnica dell’acquerello. I personaggi non hanno occhi e quando questi vengono inquadrati mostrano solo le stelle del virus di cui vi parlavo. C’è una mancanza di identificazione delle forme, una sfumatura costante dei volti che rende tutti un po’ simili e intercambiabili ed è forse, anche questo, un tratto caratteristico della società in cui viviamo.

Questo graphic novel mi ha ricordato Dune, soprattutto grazie alla presenza appunto del Metax, questa sostanza non completamente definita da cui è scaturita la ricchezza e dunque il potere alla base della grandezza della città di Ronin.

Traduzione di Claudia Durastanti.

Antoine Cossé è un fumettista originario di Parigi. Compiuti vent’anni si trasferisce a Londra dove studia al Camberwell College of Arts e dove vive tuttora. Qui pubblica diversi fumetti autoprodotti su antologie e fanzine e il graphic novel Kiddo, prima di iniziare una prolifica collaborazione con l’editore indipendente Breakdown Press. Proprio con Breakdown pubblica svariati racconti nell’antologico personale Palace, le novelle J.1137 e NWAI, entrambe stampate in risograph, e i graphic novel Mutiny Bay e Showcase. Metax è il suo ultimo libro, pubblicato dai più prestigiosi editori indipendenti: Fantagraphics negli Stati Uniti, Cornélius in Francia e Edition Moderne in Svizzera.

Secondo il principio che dice che i libri non scadono mai ho recuperato una delle prime uscite della casa editrice Oblmov. Era il 2017, Oblomov compiva i suoi primi passi e tra i primi libri pubblicati c’era anche “Vivo&Morto” di Jef Hautot e David Prudhomme.

Oblomov negli anni mi ha abituato a una grandissima qualità sia dei materiali utilizzati per confezionare i loro graphic novel sia nella scelta dei titoli. Se confronto le ultime uscite con le prime però mi rendo conto che il raggiungimento della qualità non è stato un processo che è andato avanti a piccoli passi, anzi, hanno iniziato fin da subito a imporsi degli standard molto alti.

Non fa assolutamente eccezione questo graphic novel che, paragonato a mammut che ogni tanto escono per questo editore, ad esempio Cuore Nero di Laustal e Paringaux oppure il lavoro di Manchette con Tardi, sembra molto esile e rischia di passare quasi in secondo piano.
Non dobbiamo farci però ingannare dall’esile volume perché in realtà la storia che Hautot e Prudhomm raccontano è davvero molto complessa in quanto parlano non sono di depressione ma da quanto questa sia legata a questioni sociali e all’alienazione di un certo tipo di lavoro.

Il protagonista lavora in una fabbrica che produce le vecchie chiavette per aprire le scatolette di cibo in scatola. Purtroppo per lui succedono due cose: l’avvento della moderna apertura a linguetta e la fidanzata che lo lascia.
Eppure lui le stava costruendo una torre Eiffel con le chiavette che rubava in fabbrica, se non è questo amore cosa può esserlo?
Philippe detto Flip è l’unico personaggio di tutto il graphic novel ad essere un’ombra liquida, ricorda un po’ il buon vecchio Macchianera nemesi di Topolino. In questo caso l’ombra però non è minacciosa e non si prepara nemmeno a compiere un misfatto, quel nero che si porta addosso sembra quasi essere una manifestazione diretta dell’oscurità e del peso che si porta dentro. Flip è apatico, non vorrebbe nemmeno alzarsi dal letto, il viaggio mattutino per arrivare in fabbrica lo opprime. La vita di Flip non è molto di versa da quella di tanti noi.
La genialità degli autori è quella di far intrecciare le vicissitudini di Flip con quelle del grande capo dell’azienda, un industriale di nome Deleter che non ha scrupoli ed è pronto a calpestare chiunque per i soldi. Durante il graphic novel, con un tempismo perfetto e un montaggio altrettanto ispirato, le strade dei due si incontrano, all’inizio per sfiorarsi e poi, alla fine, con una collisione un po’ più che metaforica.
Oltre a questo c’è la figura di Trashy, un suonatore di Djambé che come filosofia di vita ha quella di cogliere il momento e di non riflettere sul presente. Sarà lui l’elemento che unirà di due opposti della scala sociale.

Come ho accennato poco sopra il montaggio delle scene è davvero molto bello e ben costruito, ci sono alcune vignette che si uniscono alle altre, una rotatoria può diventare un tronco d’albero, una giacca può diventare l’ombra di Flip. Sembra che le immagini vengano continuamente mescolate tra loro dando un’idea di omogeneità e, soprattutto di fluidità.

“Vivo&Morto” è un graphic novel che pur non superando le ottanta pagine riesce a raccontare una storia molto intensa e profonda, una storia che racconta come molto spesso sono i vincoli che ci siamo imposti perché li ritenevamo necessari a rendere tutto più buio.

Jef Hautot è un artista plastico. 
Diplomato alle Belle Arti è grafico e illustratore. 
Nel 1999 firma Port Nawak insieme a David Prudhomme, pubblicato da Vent d’Ouest e ripubblicato recentemente da  Les Reveurs.

David Prudhomme vive a Bordeaux. 
Laureato alla Scuola d’Arte di Angouleme, è un autore audace e visionario. Rebetiko è considerato il suo capolavoro, miglior graphic novel del 2010 secondo Lire. 
Rebetiko ha permesso all’autore di vincere numerosi premi in patria e all’estero. 
Con Crossing the Louvre (co-pubblicato con il Louvre), nel 2012, vince il prestigioso Premio Internazionale della città di Ginevra.